画画论文范文第1篇1.调整教育思路人们如果对动画行业生存模式的思考局限于传统加工行业的生存模式，会导致两个问题：一是仅仅通过大量简单的、重复的体力劳动，或完全依赖设备制作动画片，在形式上模仿外国动画，下面是小编为大家整理的画画论文【五篇】,供大家参考。
画画论文范文第1篇
1.调整教育思路
人们如果对动画行业生存模式的思考局限于传统加工行业的生存模式，会导致两个问题：一是仅仅通过大量简单的、重复的体力劳动，或完全依赖设备制作动画片，在形式上模仿外国动画，这样做出的动画片内容空洞，缺乏人文情怀，必然没有吸引力；
二是以技能教育为主，从某种意义上来说，培养的是技能熟练的工人。优秀的动画创作者绝不是技能熟练的工人，而是有思想的创作者。所以，高等院校的动画教育不能仅停留在技能培养的层面上，更要培养学生的创作能力。
2.因地制宜，因材施教
在动画教育方面，首先各大专院校应该根据自身特点，创建不同的专业课程体系和培养方案。而且不论教学框架和教学内容如何变化，都应把原创意识、文化素质与审美能力作为培养动画人才的核心，因为创作者如果只有技巧而无美的观照精神，其创作的动画作品是难以进入艺术领域的。其次，应注重提高学生对文学、音乐及戏剧、影视等艺术的欣赏能力，因为动画创作是一种集视听语言为一体的综合创作。再次，动画教育应注重培养学生的原创精神，原创精神是文化艺术工作者最基本的素质。最后，动画教育应该具有对动画行业的领导性和前瞻性，要协调好艺术创作的独立性与艺术受众的广泛性之间的关系。
二、向加拿大动画教育借鉴经验
目前，加拿大有10余所大学开设了动画专业，另有30多所专门的动画学院，再加上学校和社会机构合办的短训班，接受动画专业教育的总人数有近5000人。加拿大动画产业之所以能够迅猛发展，后来居上，甚至在竞争激烈的国际市场上与欧美动画产业强国相抗衡，必有其原因。笔者通过梳理相关资料，总结出加拿大动画教育的一些经验，具体如下：
1.政策扶持
加拿大先后采用多项政策扶持国产动画片，创建了广阔的动画片传播与展示平台。此外，加拿大政府每年都积极举办各种大型的文化活动支持动画产业，如一年一度的动画电影节和动画周边产品交易会。这样既能提高本国动画的知名度并展示其所取得的成果，又能推销动画产品，还促进了业内交流，最终促进了加拿大动画产业的进一步发展。
2.重视文化
加拿大作为一个移民国家，重视文化的交流和融通，其文化具有多元性和多样性特征。加拿大的动画教育和动画产业等领域同样充分体现了多元、开放的特征。如，动画创作者的创作理念开放、自由，对于世界各民族的文化采取兼容并蓄的态度，他们在着力体现本土文化的同时也彰显外来文化的魅力。因此，题材广泛性、文化多元性成为了加拿大动画作品的最大特征，这一特征也让加拿大动画享誉国际。
3.关注社会与生活
加拿大动画教育的另一大特征就是十分关注社会现状与生活。如，教师的作业命题常常涉及环境保护、医疗保险等社会现实问题。根据这些颇具实际意义的观察和思考所创作的动画作品必然能够引起人们的关注和反思，能够为创作者和观众进行积极交流提供桥梁，促进动画艺术的社会效应和文化传播特性的发挥。这也正是动画学习和创作的根本目的。
三、结语
画画论文范文第2篇
我们对传统的理解应当深入到其内隐层,即传统作为思维方式的民族审美结构是历史的“积淀”,它在艺术传统内隐层中起着统摄作用。中国画家思维方式及审美观念、趣味,具有特殊性质。当代中国画家的文化心理与艺术传统的联系在实际上是密不可分的。艺术传统的精粹都是在历史许可的范畴内,最大限度地实现创作自由。艺术家不是在真空中进行创造,他是作为一个既定的文化继承者在进行艺术活动,在他对既定文化塑造的过程中也包括潜在的艺术图式对他的塑造。传统的文化不是固定不变的,它总是带着经验、习惯,从而使自己具有现代价值并不断更新、前进。“知人无法,非无法也,无法而法,乃为至法。”石涛话语中的玄机值得时时体味。真正的传统是不断前进的产物。
二、外来文化影响
表现当代人的审美观,几乎是所有求变画家所希望接近的。我们不能忽视甚至反对艺术发展过程中要必然地符合规律地出现艺术的当代的一面。一个文化的特殊性格,不通过比较就很难突出它应该突出的东西。艺术的当代形式时代对艺术的要求,是艺术家历史使命感在艺术中的表现,是时代生活与社会审美心理的体现。经验告诉我们,对外来文化不应该是移植,而是以我们的思想去感应,中国画必须保持自己艺术的独立性。我深信,中国传统主体观念将在接受现代文化观念的洗礼中,必将完成一次大的新陈代谢。三、中西方美学价值的正确认识
艺术发展史告诉我们,伟大的艺术作品总是能表现出深刻的哲学观念。各个时代的真正伟大的艺术,它往往既是民族,但又不会囿于地域、民族的狭窄界限,总会在审美的深层上通向人类。从比较研究的结果来看,中国艺术是人格理想的一种体现,保持和谐是中国画的根本。从本质上讲,中西方艺术不存在高低优劣,而只有差别。人们应站在人类文明和历史发展的高度对包括传统本身及其影响在内的问题进行反思。中华民族完全能够用自己的理想和实践,吸取世界文化中的精华,注入现代艺术以新鲜血液,创造出具有中国特色的当代美术。
由于几十年来的历史布满了深陷的断层,因此造成了不同年龄段的画家在知识结构上的巨大差异。这种差异直接导致了各种“代沟”,人们很难使用双方认可的概念和术语进行对话。在对前人作品的领悟,也因缺乏对构成元素的敏感和对知识结构、心理结构的适当组织,所以对深层表现内容的感受以及对形式构成深入感受之间产生脱离的现象,更多的人只能对形式构成有一定的敏感,而不能进入深层的表现内容,所以空洞的艺术表现成为通病。投入自然、投入生活成为当代画家迫切的需要,我们的前人正是看到永恒和自然界充满生机活意,大化流行,处处都在宣畅一种活跃创造的盎然生意,就是因为这种宇宙充满机趣,才促使我们的先人奋起效法,生生不息,创造出辉煌的艺术成就来。
从理论这个角度来看,理论的正确引导比较薄弱。因为艺术的奥秘可能并不是由艺术家本人可以洞察和解说的。相反理论家以其高度敏锐的理论审察力和深刻的反思,在美学和绘画之间找出一种类似的西方艺术心理学这样的学问,既不是偏重于纯粹抽象的哲学思考,也不只完成一个没有意义的形式,找出这种中间桥梁才能对绘画创作真正产生实质性的引导作用。
综合上面的分析,当代中国画的发展,应采取吞两极而取中,内研传统,心师造化,妙合当代,不断更新和完善自身的中国画创作语境,创作出更多富有时代美感的、健康的中国画作品,促使一个多元化局面的形成。惊人的昨天已经逝去,辉煌的明天必将来临,中国画的“路”一定会越走越宽。
【摘要】通过对当前中国画若干问题的分析,提出了对中国画文化标准、当代中国画的发展,应重新反思、定位和自我修复的论点。期许不断更新和完善自身的中国画创作语境,创作出更多富有时代美感的、健康的中国画作品,促使一个多元化局面的形成。
【关键词】当代中国画文化思潮多元化创作语境
参考文献:
[1]曹意强,范景中.20世纪中国画[C].浙江人民美术出版社,1997.
画画论文范文第3篇
摘要：中国的传统绘画,简称中国画,除了传承下来的优秀作品外,它的绘画理论也是博大精深,在浩瀚如海的中国古代画论中,涌现出了许多精彩的篇章,而宋代苏轼的画论又特别引人注目。在中国绘画史上，苏轼的画论的具有不可替代的作用，它有力地推动了文人画潮流的发展，在一定程度上可以说苏轼是文人画理论的实际奠基人。
关键词：苏轼 ；
文人画；
诗画一律
一、苏轼的画论的体系
苏轼的书画论具有真知灼见，影响深远。如重视神似，主张画外有情，画要有寄托，反对程式束缚，提倡“诗画本一律，天工与清新”，并明确提出“士人画”的概念等，为其后“文人画”的发展尊定了理论基础。
苏轼虽然没有专门、系统的画论专著，但是他的思想却丰富的呈现在他的题画诗、题画记、画品文章中。他首分“士人画”和“画工画”。认为“观士人画如阅天下马（千里马），取其意气所到。乃若画工，往往只取鞭策、皮毛、槽枥、刍秼，无一点俊发，看数尺便倦”。
他认为士人画需讲求“常理”，即“意气”，“虽然常形之失，止于所失，而不能病其全。若常理之不当，则举废之矣。以其形之无常，是以其理不可不谨也”。
其次是对诗书画“本一律”的认识。所谓诗书画“本一律”是指诗歌、书法、绘画三者之间存在着相通的关系，诗可以表达出画境，而画也可以描绘出诗意，三者之间可以相互影响。在中国画中诗画结合占有很重要的作用,它的独特魅力就在于它不仅满足感官的审美价值,更满足心理需求的精神价值。“诗中有画,画中有诗”也可以说是苏轼画论精神的集中表现。
二、苏轼画论中文人画思想的体现
（一） 苏轼——文人画思想的最早提倡者
苏轼的文人画思想在中国绘画史上占有重要的地位，苏轼是宋代文人画思想的中心，他最早提出了文人画的理论，开拓了文人画思想研究的新领域，使绘画从画工之事变成了文雅之事。自苏轼以后，抒情写意逐步成为文人画家作画的主要目的。尤其是元人大倡“以书入画”之后，随着明清花鸟画的兴盛，“墨戏之作，盖士大夫词翰之余，适一时之兴趣（吴镇）。”这己成为文人画家的口头禅。宋代文人画虽不能左右画坛，但它在与院体画相斗争又相联系的过程中不断发展自己，并对院体画向着诗意境界的发展起到了促进的作用。
（二）苏轼画论中文人画思想的具体论述
苏轼不仅是文人画的最早提倡者，也是文人画基本理论的建立者和实践者。他提出的文人画理论，至今仍然是中国文人画最重要的基础理论。
1 苏轼是第一个比较全面的阐述了“士人画”理论，在《又跋汉杰画山二首》中他写道“观士人画如阅天下马，取其意气所到。乃若画工，往往只取鞭策、皮毛、槽枥、刍秣，无一点俊发，看数尺许便倦。汉杰，真士人画也。”他的这一理论把文人画与画工画区别开来，着重强调文人的作品在立意时要高于一般的画工。其次，反对完全追求形似，强调神似。
2 “ 论画以形似，见与儿童邻；
赋诗必此诗，定非知诗人。诗画本一律，天工与清新；
边鸾雀写生，赵昌花传神。何如此两幅，疏淡含精匀；
谁言一点红，解寄无边春。”《书鄢陵王主簿所画折枝二首》这是一首影响深远的题画诗，它集中体现了苏轼的美学思想——“不求形似”、“诗画一律”。苏轼认为绘画作品应当注重反映画家的内心世界，表达出画家内心深处的真实情感，这样的作品才会富有生气，变得有意义。苏轼“不求形似”的文人画思想对后来文人画的发展产生了及其深远的影响，以至于后来成了文人画的基本原则。
3 苏轼在其《净因院画记》中写道：“世之工人，或能曲尽其形，而至于常理。非高人异才不能辩。与可之于竹石枯木，真可谓得其理者矣。”通过这段文字，我们可以明显的发现画工与士人的区别，画工之技艺虽然高超，但是终究在文学内涵及神韵捕捉上有所欠缺，只有“高人异才”，才华满腹的士大夫才能得“常理”。苏轼这种贬低画工抬高士人画的言论正是典型的文人画思想。
三、苏轼论中“诗画一律”的表现
苏轼关于诗画关系的论述，为后人引用最多的是《书摩诘蓝田烟雨图》里的诗句：“味摩诘之诗，诗中有画。观摩诘之画，画中有诗。”王维作为文人画的鼻祖，其绘画富有诗情，诗句富有画意。如陶文鹏所说的那样：“（王维）现存的《江山霁雪图》。笔墨洗练简约，有萧疏淡远之致，正如苏轼所说的 摩诘得之于象外（《王维吴道子画》），整个画幅呈现出如他的诗歌一样的清幽孤寂的情趣、开阔深远的意境，很能引人联想。而王维的诗又富于画境,如 漠漠水田飞白鹭,阴阴夏木啭黄鹂 ，明显地吸收了绘画的色彩映衬和明暗对比；
……” “画中有诗”，实际上就是说文人画应当使画面所描绘的有形的东西呈现出无限丰富的内涵，苏轼提出绘画与诗歌一样，不仅要写其景，还要写其意。这就是后世文人画重意境、重格调、重涵养的开端。
苏轼在《书焉陵王主簿所画折枝二首》写道：“论画以形似，见与儿童邻。赋诗必此诗，定知非诗人。诗画本一律，天工与清新。边鸾雀写生，赵昌花传神。何如此两幅，疏淡含精匀。谁言一点红，解寄无边春。”这首诗道出了诗画共生关系的主要精神，此处的“一律”是指事物的相通性，“天工”是指天然、自然。“清新”指清爽不俗且具有独特性，苏轼认为一首好诗就同一幅绝美的图画一样。
“古来画师非俗士，摹写物象略与诗人同。”（《欧阳少师令赋所蓄石屏》）“古来画师非俗士，妙想实与诗同出。”（《次韵吴传正枯木歌》）更是苏轼“诗画一律”，诗书画相结合的体现。
后世名家对于苏轼的画论、题画诗等都有相关的论述和诗句留下。例如张文潜的《读苏子瞻韩干马图》中写道：“我虽不见韩干马，一读公诗如见者。”这两句诗就是说读苏轼的读画诗就能从诗中感受到画意的存在，可见苏轼将诗画紧密的结合在了一起，能将眼中看到的实景转化为浓浓的诗意，这没有深厚的文化修养的积淀是达不到的。这更是苏轼自身“诗画一律”思想的真实写照。
四、苏轼画论对于后世的影响
综合起来看，苏轼诗画理论的核心就是“诗画一律”论，这是文人画理论的主题思想，“诗中有画，画中有诗” 促进了画家主体精神的觉醒，它也逐渐成为中国文人画 的精神命脉。“诗中有画，画中有诗”可以说是中国古代绘画精神的最好表现,诗画结合是中国诗画艺术的最高境界。苏轼的绘画理论对后世绘画及文人画的创作产生了极为重要的影响,苏轼首先区分了文人画与画工画,使人们的审美视野中出现了文人画，对文人画理论进行较为全面的阐释,为文人画的发展奠定了基础，肯定了诗画共同的审美追求,开拓了文人画境;把画提高到与诗等同的重要地位,使绘画成为文人雅事。
结论
我国诗画结合的表现形式，在世界上是独一无二的优秀综合艺术形式，西方的艺术家称之为“优秀的东方艺术”。苏轼留下的大量的诗画艺术品，积淀了融通诗画艺术的宝贵而丰厚的创作经验，这大宗的民族文化遗产，是中华文化宝库中的重要部分，值得我们珍视、学习，并加以弘扬、传承。（作者单位：陕西师范大学美术学院）
参考文献
［1］李幅顺．苏轼与书画文献集［M］ ．北京：荣宝斋出版社，2008．6：138，58-86．
［2］陈中渐．苏轼书画艺术与佛教［M］.北京：商务印书馆出版社，2004．11：124-130．
画画论文范文第4篇
背景音乐结合作品表现的年代，都是一些八零群体的儿歌和流行歌曲，作为一部系列短片，每一集有自己的独立性，有自己的主题，但是“哐哐”这个角色的性格和其他角色都是贯穿整部系列短片中，让其看起来有完整性和连贯性。《哐哐日记》的成功让皮三有了更多的想法，在2011年网络媒体优酷网的支持下，推出了新的系列短片《泡芙小姐》《。泡芙小姐》作品延续至今，有之前《哐哐日记》的延续性，主角不再是小学生而是一个妙龄女郎，被称为中国版的“欲望都市”，见证中国快节奏发展下的种种都市生活，体现当代社会中的方方面面，不再是之前的视觉风格语言，以三维动画和实拍场景相结合，符合现代人的审美视觉感受。上个作品的视觉风格到现在的风格，都体现出技术上的革新，作为独立动画人的皮三能用现代人的审美去刷新自己作品的视觉语言，这也对制作上增加难度同时也让制作团队壮大更好的学习。笔者认为，从之前的独立动画《哐哐日记》到现在的更倾向于商业动画的《泡芙小姐》有着紧密相关的联系和区别，在制作技术上更加的趋向于主流商业动画，三维动画制作的流程和技术，再以实拍相结合，用两种视觉语言去表现故事画面。在剧本故事上不再是一种追忆，一种发泄，一种好玩，延伸到从“泡芙小姐”的现实生活，也是我们的现实生活，去讲述情感故事，反应中国的社会，具有当代现实主义的色彩，让观众有更多的思考，不再是打打闹闹，嘻嘻哈哈，有着更多的现实表达。
很多人都说，中国的动画没有中国元素，中国特色，所谓的中国元素和中国特色都局限历史的痕迹，皮三的《泡芙小姐》没有历史意义上的中国特色，却很出彩的反应中国社会下的人文的生活，这才是中国特色，中国创作。虽然具有商业气息的动画系列短片，仅仅是在技术和推广这个层面上，片子的情感表达和观念的思考仍然是独立的，有自己的语言。在这个意义上，这部系列短片完全可以作为独立动画和商业动画的一个典型案例去解读。大多数人都为技术与艺术之间的权衡去苦恼，作为艺术的前提，商业性是垫脚石，没有了商业，没有了技术，没有了资金何谈去做艺术。笔者认为在独立动画中以商业性的角度去制作完全没有失去独立动画的独立性。作品中表达的语言，观念仍是自己的是独立的，是具有思考的。这才是独立动画的一个生存延续性的可行性和价值所在。
独立动画与动画教育
作为一个从事动画研究创作的个体，中国独立动画的存在的价值意义不单是作为一个片种的存在，更多的是为高校动画毕业生的提供一个发展方向和空间。大量的独立动画保持自己的独立性与商业动画相结合，才能壮大国内动画片的品质。中国动画最大的弊端就是缺乏原创性，抄袭盛行快节奏的年代很容易让动画从事者迷失方向和放弃坚持。在全国各大院校中，大多动画专业的学生都具备自己的独立语言和思维方式，每年的毕业设计都会有很多新颖的题材和艺术创作表现形式出现，然而到了最后却没有了声音，不是动画人的错误，是在高校中的动画教育，仅仅是针对动画技术层面上的学习，忽略了独立动画观念性的灌输和实验动画与商业动画的结合方式方法等原因造成的。在短短的大学动画专业课程中，从动画前期的基础概论、技术基础课程到后期技术上的方向研究，到毕业设计的制作，缺乏了太多的交叉性学科的贯穿，如新媒体艺术、观念影像等课程，缺乏了独立动画制作的实践性课程，特别是与商业动画相结合的实践性课程。如此一来，在单一的动画教育背景下，对从事动画专业的毕业生来说要不就是做技术层面上的工作要不就改行，或者保持自己的原创性独立动画却找不到与商业相结合的道路最后放弃，这才是中国动画一直不能成为动画创作大国的主要原因。
画画论文范文第5篇
关键词：文人画 写意 写意油画
随着当代社会经济文化的不断发展，国际文化交流不断升温，中国当代油画越来越受西方现代绘画观念、思想、风格的影响。油画作品同时也呈现出多种表现形式，多种风格。中国油画家也同时对油画艺术进行了深入的反思，使得中国油画更趋向多元与个性化。“中国油画家一方面学习和借鉴西方现代艺术的同时，另一方面也对本土传统文化产生浓厚的兴趣。于是，表现、抽象和象征成为新的艺术取向，中国油画也开始趋向于写意的表现形式，并成为当代中国油画的一大特色。“中国传统绘画原本就具有表现意味的写意性，使中国油画家在理念与趣味上与西方表现主义产生了某种共鸣。”［1］，中国文化中的意象，既不是单纯客观世界的再现，也不是纯主观的表现，而是主客互渗、物我相融的“意象”，中国传统文人画的“写意”，“写”是一份心情、一种态度、一片坦然，是心灵深处的自然流淌。“写”更是一种功夫、一番感受，并经由一个“写”字，把画家的性情感怀淋漓尽致地表白“。写”还是一种充满着“道”的意识，伴随艺术家主观精神的“意”，使内心情思得于表达。这正是中国传统“写意精神”的实质内涵。［2］
早在1957年，著名油画家董希文在《从中国绘画的表现方法谈到中国油画风》一文中就明确指出：“油画中国风从绘画风格方面讲，应该是我们油画家的最高目标。要使我们的油画赶上世界先进水平，在世界艺术舞台上发出光辉，绝不是仅仅把我们油画画得跟西洋的油画一模一样。即使将来我们的油画形式、技法能够达到欧洲一样的水平，我们也不能以此为满足。我们有我们民族自己的艺术优良传统的继承和发展。中国画家应该有中国画家的气质，自己对生活的想法、看法和表现法。”由此可见，老一辈油画家也早已意识到“油画中国风”的必要性与重要性,然而最能体现“油画中国风”实质内涵的“意象油画”，经过油画家们多年努力的探索与尝试，已经展现了可喜的成果，而且正处于新的发展势头。意象写意油画的出现，在艺术语言、表达样式逐渐模糊的今天，是必然的发展趋势。
中国当意油画既受西方现代主义影响同时也传承了中国传统文人画的气质精髓。如，画面色彩比较单纯。“文人画受道家的影响很大，道家中又数老子庄子的影响最深。道家崇尚自然，因而反映在文人画的精神中也是将“自然”作为绘画的准则。并且老庄对于色彩主张“朴素玄化”，提倡“故素也者，谓其无所与杂也”，“朴素而天下莫能与之争美”。［3］这种观点逐渐成为中国传统绘画的审美要素之一。中国当意油画中，画家作品体现出来的特征也是极其明显的，：“作品基本色调一致，甚至是单色画，造型上也极力简化，形成具有自己独特风格的画面效果和表现形式。
中国传统文人画非常注重通过“虚”和“留白“来体现画家的情怀，主张大象无形，给观者以更大的想象和思维空间，同时也更完整而充分的表现出画面的气韵，以达到”天人合一”的至高境界。南齐谢赫提出了“气韵生动”的观点，并成为历代绘画艺术的要求和作品评论的重要因素之一。空白处是虚，也是实，亦可以是其他的物象，如天空、地面、河水等，观赏者自然会产生联想。由此可见，中国绘画最重空白。空白处并非真空，乃灵气往来生命流动之处。以虚带实，以实带虚，虚中有实，实中有虚，虚实结合，这正是中国美学思想中的核心所在。这里的“气”，包含有宇宙万物本体和生命与艺术家自身元气的综合，“韵”则指的是物象的风姿神貌。“气”和“韵”构成了物象表现的生命力，也是构成画面耐人寻味的重要因素。中国画追求空灵，讲究“虚”和“空”的处理，其理论也是由阴阳观演化而来的。虚空是画面产生“气”的重要元素，这“气”不单指具体物象，也指表现物象之虚空。没有虚空，就不会有灵气流动的迹象，更不可能产生“气韵生动”的生命力。中国当意油画吸收了传统文人画的表现手法，使得作品更具“逸气”，让观者也更荡气回肠。油画画面中的留白处还可以借助油画颜料的特有质地形成肌理。这种肌理感使得画面具有一种很强的张力，成为一种特殊的绘画语言。如画家何多伶近几年的作品，以及青年画家毛焰的作品中我们都能感受到这一点。
