严格地来讲,中国的专业音乐教育始自1927年成立的上海音乐院,后改名为“国立上海音乐专科学校”,而“专业”这个名词,其内涵是十分现代化的。从这个角度来探讨香港的专业音乐教育,本文在时期上的上限应该是在下面是小编为大家整理的2023年度音乐学院学位论文【五篇】,供大家参考。
音乐学院学位论文范文第1篇
严格地来讲,中国的专业音乐教育始自1927年成立的上海音乐院,后改名为“国立上海音乐专科学校”,而“专业”这个名词,其内涵是十分现代化的。从这个角度来探讨香港的专业音乐教育,本文在时期上的上限应该是在第二次世界大战之后,因为香港在割让给英国(1941)之后直到抗日战争(英国称之为“太平洋战争”)战胜(1945),不仅没有专业音乐教育,连中、小学音乐教育都可有可无。假如“专业音乐教育”是指从音乐教育机构培养出来的毕业生,学成后可以在社会里各个音乐行业从事实际工作,如演奏、指挥、作曲、音乐行政管理、主持广播节目、为电影配乐、灌制音乐录音,等等,那么大学音乐系或音乐学院的毕业生算不算“专业音乐”人才?若依照律师、医生、建筑师、会计等专业标准来要求,大学音乐系或音乐学院的毕业生还不能算是合格的专业人员,因为他们没有像律师、医生、建筑师、会计师等专业那样,在大学毕业后经过一两年实习、考牌及格后成为正式、拥有执业资格的专业人员。
音乐学院毕业的演唱、演奏、指挥、作曲系学生当然可以算是“专业音乐”人才,但音乐学系和大学音乐毕业生则只能算是“学者”,不是“专业音乐”家。也正由于这个原因,伯恩斯坦、马友友等人读完哈佛大学学位后,还跑去寇蒂斯、朱莉娅音乐学院进修演奏技巧。我提出这个问题,是想提醒音乐教育界的决策者,在制定高等和专业音乐教育策略上分清学术、理论和技巧等不同领域、不同的标准和要求。依我个人之见,学作曲、演奏、演唱的用不着去念博士,因为他们最终的目标是要成为“大师”(Maestro);学音乐学、音乐美学、音乐史和理论分析的则需要攻读博士,因为他们最终的目标是要做“学者”、“教授”。本文所讨论的“专业音乐教育”,是指香港中学教育以上的音乐教育,包括大学音乐系,演艺学院里的音乐学院、私立音乐专科学校和私立音乐学院。
一、历史背景专业音乐教育在香港最初是以业余兼时形式出现的。抗日战争胜利后,国共内战,一些共产党员音乐工作者于1947年4月初在香港成立“中华音乐院”,院长由着名小提琴家马思聪担任,但实际工作由从上海南下的赵和李凌负责,真正的领导是中国共产党南方局党委。这所音乐院集中了为数颇多的音乐家任教,也培养了不少的学生,以声乐歌咏为主,电影音乐为次。1949年中华人民共和国成立后,音乐院的部份教师留港发展,大部份则北返大陆,成为中国内地的音乐干部。中华音乐院结束后,另一所夜间“以培养宗教音乐基本人才,促进圣乐布道工作”为宗旨的“基督教中国圣乐院”成立。抗日战争时期在重庆青木关国立音乐学院毕业的邵光于1950年在香港教育署立案注册“基督教中国圣乐院”为专科音乐学校。这所专科音乐学校于20世纪70年代中自置校舍,并改名为“香港音乐专科学院”,现以培养中级音乐人才为主,学生毕业后名继续深造进修,有的则返回东南亚国家工作。上述两所专业音乐教育机构是在香港经济非常因难的时期成立的。
到了60年代初,德明书院和清华书院也先后建立了音乐系,前者只办了两年(1961~1963),后者则一直坚持到70年代。70年代末80年代初,岭南书院(后升格为“学院”,再于1997年成为香港政府资助的“大学”)也办了一阵子音乐系,由于过于昂贵,于80年代初结束,部份教师与学生分别分配到香港中文大学音乐系和新成立的香港演艺学院音乐学院。此外,香港联合音乐院和海燕艺术学院于1969年成立,前者以报考英国皇家音乐学院在香港的公开考试为其主要招生来源,故就读学生不少;后者则难以为继,于90年代末结束。1975年成立的南方艺术学院,后改名为“黄自艺术学院”,现在事实上已变成个别教授的音乐“私塾”。与“官方”关系较密切的一批音乐界人士于1978年7月成立“香港音乐学院”,为不牟利并获慈善捐款的专业音乐教育机构,规模远较上述各“音乐院”和“艺术学院”为完善———在香港艺术中心租了近万英尺的地方,可收学生90名、雇用兼职教师20余名。这所音乐学院于1985年合并入香港演艺学院音乐学院。从上述音乐院、艺术学院和下文所叙述的大学音乐系以及香港演艺学院音乐学院看,香港的专业音乐教育机构大致可分为三个层次:1.夜间上课的私立民间学校。2.私立专上学院、书院如清华书院、岭南书院的音乐系。3.香港政府资助的香港中文大学和香港大学的音乐系、浸会大学的音乐及艺术系以及香港演艺学院音乐学院。
二、目前的专业音乐教育目前,香港培训专业音乐人才主力由香港中文大学音乐系、香港大学音乐系、浸会大学音乐艺术系以及香港演艺学院音乐学院四院系负责。在上文提及的《香港的音乐(1841~1993)》一文里,我已交代了这四个院系从成立到90年代中的教与学以及研究的情况,下面将谈谈他们的近况。
音乐学院学位论文范文第2篇
1.地方师范院校音乐艺术硕士培养模式的探索与研究——以重庆师范大学为例
2.回忆我“音乐硕士”的学业历程
3.音乐专业硕士研究生研究能力的培养研究
4.山东省音乐学硕士研究生教育现状调查
5.我院首次颁发音乐硕士、学士学位
6.中美音乐教育方向硕士研究生培养模式比较
7.有关高师音乐学硕士研究生教育问题的若干思考
8.音乐教育硕士研究生教学模式初探
9.综合性大学艺术硕士(音乐)专业学位研究生培养质量之研究
10.音乐学硕士研究生培养方案的现状与思考
11.上海音乐学院第一个音乐硕士诞生
12.日本东京艺术大学音乐学部的研究生教育情况
13.关于高师音乐学硕士研究生教育规模及质量的探讨与思考
14.俄罗斯圣彼得堡国立师范大学音乐教育硕士培养解析
15.中美德音乐表演专业硕士教育的并置比较
16.台湾师范大学在职音乐教学硕士培养模式探究
17.音乐学硕士研究生教学现状之反思
18.我国音乐学硕士学位论文使用调查研究方法的分析与反思
19.积极探索 勇于实践 积聚能量 服务社会——记流行音乐作曲与理论硕士研究生论坛
20.从NBPTS音乐教师专业标准谈我国高师音乐教育硕士的培养
21.谈音乐学硕士研究生教学实践的创新
22.浅议英国的音乐表演硕士教育
23.音乐教育研究的社会调查方法应用探索——基于108篇硕士学位论文的调查分析
24.音乐学硕士研究生教学改革研究
25.音乐专业艺术硕士课程设置量化分析的可行性
26.回忆我“音乐硕士”的学业历程(上)
27.关于艺术硕士(音乐)专业学位研究生培养模式的思考
28.谈音乐学硕士研究生教学实践的创新
29.2000-2010年中国近现代音乐史方向硕士毕业论文综述
30.音乐学硕士学位论文的假劣之风当遏止
31.新疆音乐学硕士点建设的回顾与展望
32.中美艺术管理硕士研究生入学要求比较之思考——以中国音乐学院艺术管理专业和美国乔治梅森大学艺术管理专业为例
33.儿童钢琴音乐在硕士研究生论文中的研究状况综述
34.中美音乐学科专业学位硕士培养之比较及思考
35.社会现实下的分享与抗争——中央音乐学院音乐学系硕士和博士研究生的入学、教学与毕业要求
36.音乐硕士研究生扩招现状与分析
37.音乐教育社会调查研究的方法学探索——基于108篇硕士学位论文的研究
38.留美硕士座谈音乐治疗学
39.论音乐学硕士创新能力的培养机制
40.高师“音乐艺术硕士”(MFA)培养的若干思考
41.民族音乐学方向硕士论文的社会调查方法审视
42.上海师范大学音乐学硕士点介绍
43.简论加强音乐硕士导师队伍建设
44.学术的探讨 人生的启迪——王耀华老师一堂普通音乐学专业硕士研究生课的记录与感想
45.音乐专业艺术硕士教育教师调查问卷简析
46.音乐学系92届硕士研究生通过论文答辩
47.音乐专业艺术硕士教育学生调查问卷简析
48.普通高校音乐艺术硕士[MFA]培养的定位思考
49.学术型硕士研究生学习态度调查研究——以音乐舞蹈生为例
50.我国音乐教育硕士培养中存在的问题及解决策略
51.我国应当设立音乐表演类硕士专业学位
52.音乐治疗的临床操作规律
53.音乐艺术硕士教育研究中的标志性参数
54.论艺术硕士研究生学术活动平台构建的学科价值与意义——以广州大学音乐舞蹈学院学术活动周为例
55.音乐专业艺术硕士课程设置的动态致变因素分析
56.音乐专业艺术硕士舞台表演实践的教学保证
57.音乐专业艺术硕士课程设置问卷的调查分析
58.《民族乐器演奏》选修课程在高校音乐学硕士研究生课程中设置的必要性及其意义
59.音乐专业艺术硕士课程设置研究的数学实证
60.音乐学硕士“声乐教学与研究”方向专业课程改革探析
61.赴美留学生马淑慧获音乐教育学硕士学位回国
62.武汉音乐学院2003届硕士研究生毕业
63.音乐学硕士“声乐类研究方向”名称需准确和规范
64.中国音乐学院、中国美术学院获准开展同等学力人员申请硕士学位工作
65.吉林艺术学院喜获音乐学、绘画艺术(油画版画)两学科硕士学位授予权
66.高师音乐学硕士研究生教育课程体系的建构
67.長江師范學院艺术硕士(音乐)学科简介
68.来自汾河畔的歌声——中国音乐学院声乐硕士研究生杜兵印象
69.艺术硕士(音乐)专业学位研究生培养现状调查与思考
70.音乐教育学科研究方法现状分析——基于五所高校硕士学位论文的定量研究
71.音乐类硕士学位论文的定量评估
72.音乐节奏与英语节奏的共性研究
73.聚焦多元选题理念 彰显传媒音乐特色——中国传媒大学2011年音乐学硕士学位论文综述
74.中西音乐专业艺术硕士教育现状比较及启示
75.音乐艺术硕士需提高文学修养
76.思考与实践——表演方向硕士研究生的西方音乐史教育
77.技巧·修养·境界——音乐“专业硕士”学位教学的三个基本追求
78.对吉林大学音乐专业硕士研究生课程建设的思考
79.从博硕士论文看流行音乐传播的研究
80.皖西锣鼓——中国传统音乐的一支奇葩——读田耀农先生的硕士论文《皖西锣鼓研究》
81.高师“音乐艺术硕士”(MFA)培养在课程设置中存在的问题及其对策
82.高等师范院校音乐专业硕士研究生教育中引入“社会导师”的可行性研究
83.音乐殿堂里解译密码的行者——记徐州师范大学音乐学院硕士研究生杨健
84.中央音乐学院一九八七年攻读硕士学位研究生入学试题
85.《西安音乐学院硕士研究生学位论文选》序言
86.大陆电视音乐传播的价值观调整
87.音乐和语言神经基础的重合与分离——基于脑成像研究元分析的比较
88.以审美为核心的音乐教育改革
89.音乐训练对认知能力的影响
90.四川音乐学院表演专业首届硕士研究生举行毕业音乐会
91.民族音乐学:学术前沿与教学研究——访中央音乐学院杨民康教授
92.民族器乐演奏专业的就业形势
93.“普通高校音乐教育专业师资培养模式与研究生教育改革”成果报告
94.国际关系中的音乐与权力
95.关于歌剧《党的女儿》中音响运用的实践与探索
96.春花秋实 继往开来——武汉音乐学院学位与研究生教育的发展
97.中央音乐学院研究生导师谈研究生教育
98.为了一个承诺,呈一片赤子之心——高佳佳教授
99.聚焦区域音乐文化研究 促进音乐地理理论建设
100.开启心灵 共筑前沿——访著名音乐心理学教授周世斌
101.面向移动终端的普通高校音乐教学云平台构建研究
102.论仪式音乐的系统结构及在传统音乐中的核心地位
103.音乐与情绪诱发的机制模型
104.中国传统音乐在高校存在方式的反思
105.北京市音乐旅游资源分布规律研究
106.音乐疗法配合长强穴按压对初产妇产程及分娩结局的影响
107.音乐疗法在失语症康复中的应用
108.美国音乐版权制度转型经验的梳解与借鉴
109.音乐干预在痴呆症患者中的应用研究
110.高师音乐学硕士生课程结构失衡的审视
111.民族音乐学:学术前沿与教学研究——访中央音乐学院杨民康教授
112.中国当代音乐学家
113.华南师范大学音乐学院概况
114.“学生喜欢音乐，不喜欢音乐课”现象之探究
音乐学院学位论文范文第3篇
一、学科定位与研究范畴
所谓学科定位与研究范畴，指该学科到底“是什么”，“研究什么”的问题，这种学科的基本定位与研究范畴是保证一个学科被称为该学科的基本前提。此次会议之所以提出该议题，是对当下中国传统音乐研究现象反思的必然，就像民族音乐学成立之初那样，为了明确该学科的定位与范畴，Helen Myers指出：“一个发展中的学科，要确定整个音乐世界――过去、现在和将来，把它们设置为自己的领地，它应当深思熟虑地寻找自己的铁锚。担心淹没在世纪音乐之海，惟恐迷失在跨文化研究的不固定的主观性质中，害怕是落在社会科学和人文学科之间不可捉摸的中间地带，使得民族音乐学家在他们的工作中不得不利用界定的极限。”
本次会议共有14位学者对中国传统音乐的学科定位和研究范畴进行了相关探讨，涉及中国传统音乐学的学科理念、学科目标、研究中的问题等方面。乔建中研究员以自己多年的研究经验和体会，从“学科建设的学术准备”和“对学科概念的解读”两个方面对中国传统音乐学的学科建设提出了自己的看法，认为：我们的学科建设自20世纪80年代之后才基本形成，并且是一种“边争论，边建设”的学科发展趋势，而80年代之前则仅停留在一种单纯的理论研究之上，并未形成学科建设的理念。他以学科概念的三个构成――“目标体系”、“工具体系”和“应用体系”来具体阐释。樊祖荫教授对中国传统音乐学的研究提出“整体性研究”的理念，并用“条”、“块”分区理论对“整体性研究”加以阐释，认为“整体性研究”是在“条”基础上的“块”的研究，“块”层面上又不失“条”研究的综合趋势，认为应当将音乐文化的研究提高到国家科学研究的战略层面上来认识，将它列入“十二五”规划的重点项目。冯光钰教授《中国传统音乐学的学科建构与理论研究》从中国传统音乐学的历史概况和分类入手，论述了传统音乐学学科概念上的相关问题，认为中国传统音乐学与民族音乐学都是音乐学下的二级学科，二者研究方法一致，只是在研究范畴上有所不同。王耀华教授《中国传统音乐学的“是什么”、“为什么”和“如何为”》，从三个方面论述了中国传统音乐学的概念、分支学科、研究范畴、研究目的、研究方法等，认为：中国传统音乐学是民族音乐学的重要组成部分，是对“中国”的“传统音乐”的特点、规律、学科原理、分支学科理论进行全面系统深入研究的学问；
其研究范畴可以包括：中国传统音乐哲学、美学、史学、律学、乐学、宫调理论、结构学、乐器学、乐种学、乐谱学、文献学、考古学、地理学、社会学、教育学、表演艺术学、创作学等，作为一个开放的系统，应当把有关中国传统音乐学术研究的方方面面都涵括其中；
并提出传统音乐研究应予以特别注重的六个方面：人、场、乐、文献、器物、话语体系等。方建军教授《中国传统音乐的研究方法》着重分析了传统研究方法的不足和建立适合中国人话语系统的研究方法的必要性，对中国传统音乐学与民族音乐学的关系进行了阐释，认为二者在研究对象上有重叠，在研究方法上，后者影响前者，但从总的趋势看，两者正在逐步地走向合流。周凯模教授《西方民族音乐学百年轨迹之学术谱系概略》，以西方民族音乐学的学术谱系为依托，从“学科谱系的重要性”和“建立学科谱系的观念”两个方面，论述了学科谱系中的诸要素――哲学原理、文化思潮、思想起源等对学科起源的重要影响，认为每一种学科称谓的争论并不只是学者自身反应的偶然结果，而是特定社会历史背景下各种因素相互影响的必然，因而对于学科称谓的争论并不重要，重要的是“做什么”。蔡际洲教授《中国传统音乐三十年――关于学术规范的审视及学术创新的思考》，提出了学术创新的三个层次：资质创新、模式创新、理论创新。蓝雪霏教授《关于中国传统音乐几个问题的探讨》，从“‘传统’的界定”、“传统音乐的研究目标”、“关于中国传统音乐研究与教学”和“研究人才培养”四个方面论述了传统音乐研究与教学中存在的相关问题，表达了“中国人应该在理论上和实践上有自己独特建树”的殷切希望。修海林教授以自己的研究经历为基点，论述了“传统音乐学的学科群概念”、“传统音乐丛书的作用与影响”、“中国音乐美学与传统音乐学的关系”和“传统音乐教学中的多学科运用”等四个问题。其中，“传统音乐学的学科群概念”的提出，值得重视。
除上述研究成果外，涉及中国传统音乐学科研究的还有：孙星群教授《有关中国传统音乐的研究与定名的思考》、齐琨副研究员《论传统音乐的两种时态――以徽州礼俗音乐研究为例》、谢嘉幸教授《学科建设与学科意识、教育体系的关系》、萧梅教授《学科界限与问题意识》等。
总之，关于中国传统音乐学学科定位与研究范畴的讨论，学者们基本达成共识，即当下的中国传统音乐学学科建设取得了阶段性成果，基本上形成了有中国特色的中国传统音乐学理论研究体系；
但在肯定成绩的同时，也应该看到，中国传统音乐学研究中还存在诸多的不足，如尚未形成学科研究的整体概念，学科建设中的学术准备不足，传统音乐研究中的汉族主体现象等，从某种程度上来讲，其为今后学科的发展指明了方向。
二、研究方法与话语体系
研究方法与话语体系，指该学科到底“怎么样”研究和用什么样的话语来表述的问题。特定的研究方法与话语体系是成就一个学科区别于其他学科的特殊性之所在。生长于中国这个有着悠久历史与多民族文明的传统音乐，在研究方法与话语体系上有它自己的特殊性。
本次会议涉及此议题的有7位学者，分别就中国传统音乐的传承与保护、当下发展、话语体系等方面展开了讨论。李玫研究员《工尺谱记谱系统从固定到可动的演变》，以文献记载中的工尺谱信息为依托，结合当下民间音乐工尺谱的存在形式，将工尺谱的演变纳入到历时与共时纵横交错的立体系统中，明确了明清之际模糊混乱的调名变迁规律，在某种程度上为解读各种传谱、理解调名内涵提供了理论支撑。瞿小松教授《中国所有音乐学院作曲教育中存在的弊端》，从作曲教育的角度论述了当下专业音乐学院中所存在的以西方文艺复兴以后专业作曲家的作曲技法，尤其是斯波索宾的作曲技法为教育全部 的弊端，引发了对于构建传统音乐话语体系的思考。周耘教授则以自己参与的研究成果――《中国传统乐学》为例，着重介绍了该著的结构框架和成书过程，借以缅怀音乐学大师童忠良教授，并结合自己在日本的研究经历，认为日本对于传统音乐的保护与传承经验可以为我们当下传统音乐的研究与教育提供一定的借鉴。林清财教授《从音乐学研究的方法来思考相关问题》，通过对音乐学发展历程的回顾，总结音乐学在不同历史阶段有着不同的研究方法、对象、范畴和内涵的规律，结合西方音乐学中的三种研究方法一study、inquiry、investigation来指导我们当下的传统音乐研究。郭小利博士《关注当下参与其中――对中国传统音乐当下发展的思考》，针对中国传统音乐所面临的时代困境――工业时代、信息时代和全球化时代，提出五点参与到中国传统音乐当下发展的研究建议，即：“重视对中国传统音乐的当下发展研究”、“建立中国传统音乐的理论体系”、“加强中国传统音乐研究成果的国内普及与推广”、“树立将学术成果转化为当下社会效益的意识”和“探索中国传统音乐的产业化发展之路”，值得参考。吴凡副研究员着重介绍了1980至2010年三十年间民族音乐学的发展历程，并结合自己的研究成果――仪式音乐，来具体说明英文文献中常用的几组词汇在中国传统音乐研究中的特定内涵。
总之，中国传统音乐学自建立之初就对自身的研究方法和话语体系进行了有效的探索，尤其是随着20世纪80年代民族音乐学的传入，更是对中国传统音乐学研究方法和话语体系的探索起到了直接的推动作用。但是，我们的学科研究方法和话语体系的建设仍处于起步阶段，探索适合中国人固有的思维方式，用中国人的话语体系来研究中国传统音乐，仍然是当下传统音乐研究的重要任务。随着传统音乐学理论研究的不断深入和学科建设的不断推进，这种具有中国特色的研究方法和话语体系必将不断臻于完善。
三、关于中国传统音乐学丛书
为了推进中国传统音乐理论的研究，适应中国传统音乐理论专业研究生教育的需求，近年来，由福建师范大学音乐学院牵头，中国艺术研究院音乐研究所、中国音乐学院、武汉音乐学院等合作撰写，由福建教育出版社出版的《中国传统音乐学丛书》，到目前为止已经出版了《中国传统音乐概论》、《中国传统律学》、《中国传统乐学》、《中国音乐文献学》、《中国音乐考古学》、《中国古代音乐美学》、《中国传统音乐乐谱学》和《中国传统音乐结构学》等八部著作，分别从考古学、美学、乐谱学、乐学、律学、文献学和结构学的角度勾勒了中国传统音乐理论诸多方面的基本面貌。丛书的出版引起了积极的社会反响，众多专业音乐院校、师范大学和综合性大学的音乐院、系把它们作为不同年级本科生、硕士生、博士生的教材或参考教材。目前已有福建师范大学音乐学院、杭州师范学院音乐学院、上海音乐学院、中国音乐学院、武汉音乐学院等多家院校全部或部分使用了这套丛书。然而，对已有的理论成果，我们不应该使其意义和价值仅仅停留在著作本身，而应该对该丛书所取得的成绩及其对当下学科建设产生的相关影响，做相对客观的评判，以此进一步推动学科建设的不断进步和完善。
本次会议涉及此论题的有6位学者，分别就中国传统音乐的史料重建、中国传统音乐学丛书的整体和部分著作的评论等方面展开了讨论。王子初研究员《论中国音乐史料系统的重构》，着重阐释了在传统音乐史学研究中文献的局限性及考古文物的实证价值。充分肯定了音乐考古在音乐史史料系统重构中的意义，并陈述了对已有的研究成果――《中国音乐考古学》的进一步深入认识，和对之进行补充修订的计划。崔宪研究员在发言中，陈述了当下普遍存在的将中国传统音乐与西方19世纪之后的专业音乐简单做比较的错位现象，引发出对于目前和声教学中存在问题的思考；
论述了原有传统音乐中“四分法”分类原则的不平衡问题，提出重新定位有关传统音乐分类的价值判断。陈新风教授根据自己在传统音乐研究中的体会，重点阐释了历史、文化等因素在音乐研究中的重要作用，提出在文化语境中“教”、“唱”传统音乐的理念。李敬民教授《“中国传统音乐谱学”，学习心得》，主要发表了自己关于《中国传统音乐乐谱学》的看法，并结合自己的田野实践经验，认为《乐谱学》在实际应用过程中与民间音乐中的诸多存在是基本吻合的，随后又对《中国传统音乐乐谱学》与《中国传统音乐结构学》之间的关系进行了概括。陈副教授《民族音乐学在中国的又一实践》，从“学科的渊源”、“全息双视角”、“‘系统论’、结构主义的视域”、“释义学的新维度”等四个方面对《中国传统音乐结构学》做了学理分析，总结了王耀华教授“用音乐说文化，说音乐的文化”的学术情怀。博士生任飞《做什么，怎么做》，总结了该丛书部分著作研究方法的特点，论述了该方法对于当下中国传统音乐研究的启示，认为应当“以中国人固有的思维方式，用中国人特有的话语，来总结符合中国人审美意识和认知的中国传统音乐特点”，对于我们当下的学科建设、民族音乐学的研究趋势及民族音乐创作具有积极的启示意义。樊祖荫教授在发言中认为，丛书对相关分支学科进行了深^研究，丛书的出版为学科建设带了好头，已作为研究生、博士生的教材，正在全国范围内产生越来越大的影响，今后的学科研究可在此基础上予以扩大，有计划地逐步展开，对已有成果提出补充、修改意见，使之逐步完善，同一课题也可写出不同版本，在应用实践中予以比较。主编和作者们表示，一定会坚持不懈，继续努力，一方面对现有成果做进一步修改、完善，出第二版(修订版)，另一方面开辟新领域，不断增加新的分支学科的研究成果，为中国传统音乐学的学科建设添砖加瓦。四、中国传统音乐理论教育及其他
音乐学院学位论文范文第4篇
钱仁平：贾老师好。2011年伊始，国务院学位委员会审议通过了将原隶属于文学门类下的一级学科――艺术学提升为门类的议案，这标志着我国艺术学学科摆脱了长期困扰自身建设和发展的尴尬，并迎来了按照艺术的自身规律和特性独立发展的大好时机。您作为国务院学位委员会艺术学科评议组成员，上海音乐学院研究生部主任，对本项工作的推进与实现，思考与实践，做了大量的工作。请谈谈艺术学科升为门类，对音乐学院办学的意义。
贾达群：艺术学升为学科门类是我国高等教育在学科认知和学科建设上的大进步，其最重要的意义在于使艺术教育可以更好地基于自身特点并遵循自身规律来进行并发展。我一直认为，人类表达自身对世界的看法、表达自身与自然的各种关系以及这些关系的演化发展的方式从来就是多元的。如果说科学研究强调逻辑推理和实证分析，那艺术创造则依赖想像联觉及其表达技艺。尽管创造性思维和创新性能力仍然是两者的核心要求，但两者在各自的实现方式上确有着很大的不同。艺术学升为学科门类以后，艺术类各学科就可以在最权威和最广泛的认同下按照自身不同的实现媒介和方式来展现本学科的学术成就，并推动艺术学科的不断发展。在这一进程中，无论从国家层面还是从各艺术院校的角度来说，最为紧迫的工作是艺术门类学位体制的合理设置以及与此紧密相关的艺术各学科评价体系的建设。我曾先后发表了两篇文章①专门探讨了这些问题并希望能够得到相关部门的关注。
钱仁平：2011年6月，经国务院学位委员会和教育部批准，上海音乐学院原一级学科“艺术学”博士学位授权点对应调整为三个“博士学位授权一级学科”，即艺术学理论、音乐与舞蹈学、戏剧与影视学。这对于进一步调整、优化我院学科专业结构，整合学科资源，创新培养模式，深化教育改革，强化办学特色，构建创作、表演、理论、应用四类学科群链建设，实现优势互补、相互促进，提高人才培养质量具有十分重要的意义。请问，我们具体如何操作？特别是在师资建设与生源方向等方面有什么相应措施？
贾达群：中国的专业音乐院校和国外的同类院校有着很大的不同：国外专业音乐院校的学科建制主要是创作和表演，理论研究型的学科，比如音乐学、作曲理论、音乐教育等一般都放置在综合大学里；
而我国的专业音乐院校除了拥有高水准的创作和表演学科外，同时也拥有高水准的理论研究学科群。这样的现状恰恰说明了中国专业音乐院校的特殊性――是集音乐创作、表演、研究和应用为一体的综合音乐艺术大学。对中国的专业音乐院校来说，认清这一点是极其重要的，因为这对于对如何开展自身的学科建设、如何拓展自身的学科疆域都具有十分重大的意义。对上海音乐学院的学科建设及其学科拓展设想，我从2003年起就开始思考②，但由于各方面的原因一直没能顺利进行，直到通过2010年在文学门类下艺术学一级学科的申报，以及2011年艺术学升格为学科门类后开展的学科对应调整工作，在学院党政领导的重视下，在上海市教委和国务院学位委员会艺术学科评议组领导及各位专家学者的充分理解支持下才最终得以实现。
上海音乐学院目前拥有了艺术学理论、音乐与舞蹈学和戏剧与影视学三个一级学科的博士授权点。除了音乐与舞蹈学一级学科外，上音对艺术学理论及戏剧与影视学这两个一级学科的认知和申报理由分别如下③：
（一）艺术学是有关一切艺术门类一般性规律的理论学科。音乐是所有艺术门类中最具情感抽象的子学科之一，艺术学的原理经过音乐理论的验证，其学科特性便可得到更为深刻地彰显；
将音乐学理论的研究提升至艺术普遍性的高度，是艺术学理论架构最终得以完成的必要保证。基于自身理论传统与学术背景，上音的艺术学理论博士点的学科构想是：以音乐艺术及其理论为出发点，整合其他艺术子学科的方法与视角，深入整体艺术的学理研究，在深化音乐学理论建设的同时，丰富与提高中国的艺术学理论体系架构。今后本学科将致力于在国际化语境中对中华文明中的艺术（音乐）现象以哲学的理论架构进行再诠释，在艺术哲学、艺术人类学与社会学、艺术美学与批评、艺术教育哲学与方法论等学科方向，运用人文学科的方法和视角来关注当代音乐现象和艺术生态，最终通过直接参与中国的音乐与艺术实践活动，对我国的艺术学学术品位的提升与理论体系的建构产生积极作用。
（二）“音乐戏剧”是指以音乐作为主要媒介和形式语言核心的戏剧体裁，其创作和表演实践既符合戏剧、音乐形式的一般规律，也有自身语言规律和形式规律。本学科宗旨就是对这些规律的理论研究以及实践探索。本学科在音乐戏剧理论与实践方面有着深厚的积累，自上世纪20年代以来便致力于西方歌剧的传播普及和歌剧形式的洋为中用。改革开放以来建立了全国唯一的歌剧中心――周小燕歌剧中心；
上世纪50年代起，本学科亦开始筹划歌剧理论、表演和创作实践的研究，以于会泳为代表的老一辈学者在中国戏曲的理论研究和改革实践方面取得了令人瞩目的成果。本学科的建立将会对我国音乐戏剧艺术创作、表演实践与理论研究的繁荣起到极大推动作用，对于我国戏剧理论体系的发展与完善做出重大贡献。
以上表述基本奠定了上音对这两个一级学科博士点建设和发展的框架和路径。在学校党委和院领导的部署下，上音研究生部正在进行拟定一系列有关学位点建设的条例，优化和完善研究生，特别是博士研究生培养的方案，同时也包括进一步梳理和规范理论研究、创作表演和应用科技这三个学科群不同的评估体系等工作。从《2012年上海音乐学院硕士研究生招生简章》中可以看到，我们已经对本校的学科进行了合理的学科归口整合，使之不仅符合学校的一级学科布点需求，同时也厘清了理论研究型与应用实践型这两类学位的学科界限，明晰了其学科内容。另外，在研究生招生名额的分配上，也力图与学校的特色以及未来的学科建设和发展相对应。我相信，这些工作的顺利完成不仅将推动上音的学科建设和人才培养工作进一步发展，而且也会对全国艺术学领域教育的相关工作产生积极的影响。
二、关于理论研究
钱仁平：谈谈您任第八届中国音乐“金钟奖”理论评论奖的获奖论文及其相关理论的后续思考与进展。
贾达群：已经过去的20世纪给我们留下了太多的记忆――音乐的创造者们运用各自天才的想象和丰富的情感，以新奇的观念、精湛的技法打造出了一个色彩斑斓、流派纷呈的万千音乐世界；
音乐的理论家们则启动自身敏锐的洞察和深邃的智慧，以大胆的推理、精细的论证建构出了诸多结构严谨、逻辑缜密的繁复乐理体系。这一切都表明，在音乐的王国里，人的智力和情感似乎达到了极至……
新世纪的到来，开启了音乐艺术发展的又一个百年历程，这是一个新的起点。新世纪的音乐创作和音乐研究朝着什么方向发展，两者之间将呈现何种的关系引发着我们的思考。
毋庸置疑，通过几代作曲家群体共同的努力，中国当代的音乐创作以其新颖的观念，娴熟的技法，独特的语言在世界乐坛上产生了相当的影响并受到广泛的欢迎。音乐创作的丰硕成果也推动了作曲技术理论研究的快速发展和理论创新进程。一方面当代的音乐创作需要与之相适应的分析理论和方法给予解读以窥视出其中玄妙万千的心智世界；
另一方面，从这些原创作品中总结出来的技术理论又可以反过来为新的创作提供更为宽阔的认知空间。和世界总体格局一样，无论是音乐创作还是作曲技术理论研究，人们已经开始逐渐将关注从和声，复调及管弦乐法等领域移向通过对各音乐结构元素的灵活运用进行音乐结构的个性化塑造以及对音乐结构样式的多元化全方位认知。结构，这一万物赖以生存的方式和载体不仅引导人们去重新认识它的构成规律和固有形态，而且通过这样深入的认知还促使人们去进一步探索它的具有无穷变数，意趣盎然的生成可能。对结构的认知以及对结构构建的探求无论在音乐创作还是在音乐理论研究领域确实拥有一片广阔的天地。作为一个具有作曲背景的研究者，我对此产生了浓厚的兴趣并开始了我的研习和探索。我在2004年和2006年分别发表了有关结构分析和结构对位的文章④，并在2009年出版了专著《结构诗学――关于音乐结构若干问题的讨论》。在这些理论研究及其成果中，我涉及到如下重要课题：1．关于音乐结构的多元透视；
2．音乐结构的深层原则――“天然结构态”；
3．“结构力”认知；
4．音乐结构的对位关系等，试图通过阐释这些课题来构建结构分析学体系，并希望该研究能够对音乐创作实践提供一些理论参考，同时也能对音乐分析理论研究以及作曲技术理论的教学产生一定的积极作用。《结构分析学导引》就是本研究的重要纲领。该文撰写于2004年，并发表在《音乐艺术》2004年第4期。借此机会，我要感谢第八届中国音乐“金钟奖”理论评奖评审委员会对我提交的论文《结构分析学导引》的学术认同和鼓励⑤。
我目前正在进行的相关研究包括《音乐结构：形态、构态、对位及其二元性》（2010年国家社会科学基金艺术学项目）以及《音乐的观念及其形式化程序》（2010年上海市教委重点科研项目）。预计今明两年将有专著出版。
我还想再谈谈作为一名作曲者，我为什么要如此深的涉足于理论研究领域？除了个人的喜好与追求外，还有另外一个重要的原因。大家知道，学科特色是进行学科建设的首要前提，找准特色、明确方向才能顺利并有成效地展开学科建设。那什么是上海音乐学院作曲学科的特色呢？经过较长时间的梳理、比较和思考，我发现从丁善德、桑桐、陈铭志等前辈大师，到杨立青、林华、赵晓生等当代名流，他们无一不既是学养丰厚、文论浩瀚的理论大家，同时又是乐思敏捷、技艺超群的作曲高手！这难道不是中国音乐界一个独特而耀眼的顶尖群体？！这难道不是上音作曲学科具有传承意味的学术传统？！因此，我认为“学者型作曲家”，或“理论型作曲家”的自我修炼和人才培养应该是上音作曲学科的一大特色！作为上音作曲学科的一员，我应该融入到这个学养极深的传统中去，努力践行并传承它的血脉及荣耀！我希望有更多的上音作曲同行和学子能认识到这一点，自觉锻造和培养自己成为善理论、精作曲的双料人才。
三、关于音乐创作与教学
钱仁平：请谈谈您近年来的音乐创作及其思考。
贾达群：就自己的音乐创作而言，我始终被自我告诫应该坚守其“品位”。尽管艺术有很多的功能，且某些功能目前因其需求而被过分强调和无限扩大，但艺术的纯粹性、学术性、深刻性、创新性则一直是我音乐创作追求的终极。我信奉“乐如其人”、“音观其心”、“声言其志”、“曲显其性”的箴言，并将音乐创作与人的智力和情感的最高境界相联系，我希望这些能成为我音乐创作的座右铭。在未来的创作中，无论是深入浅出、雅俗共赏，还是抽象艰深、众口难调，观念须与形式化程序相对应，技法应成为思想的符号表征；
当代性要体现传统的延续，民族性定汇入世界的潮流，而个性则突显于共性的脊梁；
只有这样，才能创造出引领受众感悟其艺、惊叹其术的精品力作。
钱仁平：关于作曲教学的建议和您的做法。
贾达群：美国朱莉亚音乐学院作曲博士研究生的入学要求是：天才的音乐想像和创造能力以及表达这种能力的完满的作曲技术。我想这两点也应该是作曲教学必须始终遵循的。也就是说作曲教学必须在保护学生本已具有的音乐想像和创造天赋的基础上不断提升其音乐的想像和创造能力，并在此过程中，不断指导并训练学生表达此种能力的作曲技能。什么是音乐的天赋？音乐天赋的真正含义是能够将人的情思事理之感受外化为声音符号并逻辑地展示出来。因此，能用声音来对应自己对大千世界万事万物的感受，并以声音作为媒介来逻辑地予以表达是一个作曲者最基本的素养，而进一步丰满、提高这个素养就成为作曲教学最根本的任务。
一个有经验的作曲教师要经常启发和帮助学生将自身的感性体验转化为妥帖得当的音乐语汇并给以使之发展的多种技术可能。与此同时还应该指导学生逐渐培养自身的艺术通感，有了这样的通感能力，学生就可以将所有他种形式的感悟转化为声音，并使之成为自己创作的原始材料。
音乐创作和表演的传统积淀了丰厚的形式化内容，这是作曲教学和作曲、表演实践最为宝贵的财富，每一位教师和学生都不应该怠慢或轻蔑它。尽管艺术贵在创新，但只有知晓并掌握了传统的精要，你的创作才能真正出新，才具有真正的价值。
要成为一名称职的教师，我的“秘诀”是：终身学习、善于联想、精于表述、乐于分享。
①两篇文章分别是：《音乐创作表演学科的学术性认知》，发表于《人民音乐》2010年第6期；
《关于我国艺术学学科学位体制及二级学科目录设置等问题的思考》，发表于《音乐研究》2011年第4期。
②见贾达群《2003年上海音乐学院研究生教育工作会议主旨报告》。
③见《上海音乐学院学科授权点对应调整申请表》2011。
④贾达群《结构分析学导引》，音乐艺术2004年第4期；
贾达群《结构对位》，音乐研究2006年第4期。
⑤论文《结构分析学导引》2011年获第八届中国音乐“金钟奖”理论评奖银奖。
音乐学院学位论文范文第5篇
音乐教育 高职院校 发展策略
高职院校是以培养应用型人才为目标、实用型和操作性人才为己任的办学理念。它区别于普通高等院校的地方在于人才培养的性质方面，高职院校所培养的人才以“术”为主，而普通高等院校培养的人才以“学”为主。高职院校的教育很大程度上是直接倾向于未来的职业教育，以职业为向导，直接培养学生的职业技术教育。目前部分高职院校的音乐教育，人才培养定位不够准确、明晰，基础宽厚、一专多能的实用性、复合型人才十分缺乏，不少高职院校音乐专业的毕业生无法胜任基层工作的要求；
培养目标不明确、师资力量配备不合理、教学模式单一缺乏创新、课程设置不能顺应时展需求。只是注重理论知识的单向灌输和音乐技能的单一传授，而忽略了学生能力的培养。特别需要指出的是，高职音乐专业毕业生的就业主要方向是企业、厂矿、社会文艺团体和中小学、幼儿园、各种培训机构等基层部门，而基层部门音乐工作具有多面性与实用性的要求；
如何更好更快地培养出基础宽厚、一专多能的实用性、复合型专科层次的音乐人才来满足基层用人单位的需求，这是高等职业院校音乐教育亟需解决的首要问题。现阶段，我国高职院校在音乐教育方面还存在这样或者那样的问题，这些问题阻碍了学生未来职业的发展，也不利于高校教师对音乐教育的贡献，笔者根据多年的教学经验，对目前高职院校的一些不利情况进行了分析与总结，并针对这些不利因素提出了以教育思想观念改革为先导，以教学改革为核心，以教学基本建设为重点发展策略。
一、高职院校音乐教育现状分析
当前高职院校音乐教育还存在很多认识缺陷，部分高职院校愿意把更多的财力、物力、人力投入到热门的专业中去，对音乐专业并没有给予应有的重视，忽略了高职音乐教育的重要性，这些问题都不利于音乐专业学生能力的培养与提高，也不利于学生未来职业的发展。
1.培养目标不够明确
明确培养目标是组织实施教育教学的重要依据，是保证高职音乐教育的基础。与普通高等院校相比高职院校的音乐教育与其是有本质的区别的，普通高等院校所培养的是音乐家、高级理论人才、专门从事音乐教育的教育家，而高职院校则是以“实用型”人才为培养目标。培养一些适应现代化建设需求的、德智体美全面发展的、具有文化基础知识和专业知识，能够胜任文艺团体、群众文化机构、企事业单位等基层文艺工作的应用技术型人才。所以说，高职院校培养的是“实用型”人才，能够即来即用的人才，而不是理论型、学术性的人才。然而就目前来看，高职音乐教育并没有充分考虑到本身的职业教育特点，没有以市场对音乐人才的需求为基本向导，片面的采用与普通高等院校相同的教育模式，缺乏特色鲜明的、系统的、体现职业性的教学体系，导致高职院校音乐教育的毕业生质量不高，在竞争激烈的今天无法适应基本的工作需求，这也严重制约了高职院校音乐教育的发展。
2.教学模式单一缺乏创新
高职院校音乐教育起步晚、规模小，没有形成自己的教学模式，绝大部分还是根据师范类音乐教育专业或者音乐学院的教学方法和方式来组织教学，教学过程中一方面往往是教师“一言堂”，学生在学习中缺乏对音乐意义的主动建构、被教师“牵”着走，教学变成了“填鸭式”；
另一方面以传统的理论知识讲授没有按照职业特点和岗位需求去分析，开发适合高职音乐教育的、具有特色的课程体系与教学模式；
仅按照传统的人才培养规格，没有深层次地考虑学生在未来社会上的就业、创业情况，没有考虑所培养的人才是否能够满足社会的需要。仅以音乐专业基础理论为主，看不到技术型人才在知识、技能结构上的根本区别。传统单一的音乐基础理论教学已不适合高职音乐教育的要求和发必展。当然传授的知识结构要合理，即与本职业、本岗位密切相关的、不可少的知识领域；
理论传授知识的量要有度，以必需、够用、管用为原则，侧重传授应用知识，兼顾学科的系统性、完整性。因此，对高职音乐教育来说，既注重专业技能的培养，同时又注意拓宽知识面，通过音乐会的观摩演出及社会实践活动，还可以开设选修课、横向拓宽模块、专业纵向发展模块及社科人文知识模块来拓宽学生的专业理沦、社会人文知识，扩展学生的知识面，满足毕业生适应就业岗位变化的需要．为学生的进一步发展打下基础。
3.课程设置不能顺应时展需求
高职院校是实施职业培训的重要地方，其目的是培养实用的、技术的、职业的人才，然而当前高职院校在音乐教育方面的课程设置主要是以基础理论课程为主，音乐实践课所占的比例非常小，学生参加艺术实践的机会也非常少。学生在毕业后走向工作岗位的时候却发现很难胜任基础工作。因此，课程设置要以音乐教育专业人才的培养目标与及音乐教育专业人员的胜任力为导向，围绕提高学生综合能力确定课程体系，这样才能使毕业生符合社会对人才的特质需求。发展高职音乐教育，就要从原来的纯专业性、师范性，拓展到具备综合能力素质的复合型多面手，具有音乐专业的表演能力、组织管理能力、沟通能力、分析能力、解决问题能力、学习能力、自我控制能力、承受压力能力、适应能力和直接针对岗位需求和工作任务的业务具体能力等各个层面，高职院校音乐教育课程设置也不能一成不变，要能够根据市场的需求、社会发展而变化，增加学生的实践能力，其教学体系与具体职业要紧密相连，课程设置与结构必须灵活、机动，教学内容也要精练、实用。
4.师资力量配备不合理
高职院校由于其本身历史的原因，很多高职院校是原来的中专合并，或者是被大学兼并以后变成高职院校的，这些教师队伍的素质参差不齐，在结构上配备不合理，这些必然会给高职音乐教育带来不利的影响。
二、高职院校音乐教育发展策略研究分析
针对当前高职院校音乐教育在定位、师资与课程设置等方面存在的问题，笔者提出了以教育思想观念改革为先导，以教学改革为核心，以教学基本建设为重点的发展策略。
1.改革思想观念，明确培养目标
当置身于经济全球化的背景下重新审视我们过去的教育理念时，颇感教育观念的更新会直接影响着我们在机遇与挑战中的得失与进退，在当下经济一体化的全球时代大潮下我们必须确立高职院校音乐教育国际化、多样化、民主化、个性化的发展理念。与时俱进，根据社会的需求规划基本办学思路，为音乐教育发展确立明确方向。首先，在办学指导思想上，应该严格按照职业院校办学宗旨以及高职院校音乐教学规律，采用科学的人才培养方式，培育适合社会整体不断发展的整体复合型的人才，才能为社会主义文化事业的繁荣做出贡献。其次，高职院校音乐教育定位方面，既要考虑到面向社会的职业性特点，又要能培养学生个性和创造性，还要注意做好与高职的办学的软件与硬件相匹配，一切从实际出发。
2.优化课程设置，革新教学模式
课程的设置和教学模式直接影响到教育质量，所以高职院校音乐教育必须重视课程设置，并不断革新教学模式、完善教学体系，才能向培养高素质的专业人才的目标出发。
（1）优化课程设置
高职高专类学生整体基础差、底子薄，所以要加强
音乐教育基础课程的设置，拓宽专业基础，根据教学实际减少或者合并不必要的专业课程，强调技能的学习同时不能忽视综合能力的培养，让多门学科能进行有效的补充与互渗，提升学生综合运用能力。
（2）革新教学模式
传统的音乐教育教学方法已经无法满足当前社会发展的需要，一成不变的教学模式注定难以满足社会的需求，所以高职院校音乐教学模式、不能一味地模仿，要能够以市场需求为导向。填鸭式的教学方式已被时代所淘汰，在教学活动中采用“行动导向”的教学方法，能够很好的调动学生积极性。利用现代多元化教学技术，结合音乐本身生动性、形象性的特点，在传授理论知识与专业技能的同时，又能够互动而激发学生的想象力，培养学生对音乐美的感悟、鉴赏和创造能力。改革课堂教学模式，多鼓励组织学生参加社会实践、多观看专场音乐会、观摩文艺演出、搜集网上有关资料作分析讲解等，这些都可以扩大学生音乐学习的视野，增强学生的主动鉴赏能力。
（3）理论与实践相结合
高职院校音乐教育的特点是培养实用型人才，所以理论与实践的相结合必不可少，让学生更多的参与实践，才能在毕业后快速胜任工作岗位的要求。为了提高学生的学习积极性，我们应该运用多种形式来优化音乐教学，增强学生的审美体验。除进行课堂教学的改革外，我们还要积极开展丰富多彩的音乐课外活动，比如成立合唱团、舞蹈队、民乐团、电声乐队、定期举办文艺汇报演出等，增加学生参与的机会。同时，我们还可以邀请音乐教育专家、专业演出团体等进行讲学、表演，每学期举办各种技能大赛，如讲课大赛，让每一位学生都有当教师的机会，利用所学知识组织教学，把专业知识转化到“职业技能”上去。
3.加强师资队伍建设，提高教学质量
高职院校音乐教育的教师不仅要有较高学历，还需要有较高的职业道德素质、文化素质、扎实的专业基本技能和教育教学能力。教师的教育教学能力主要体现在课堂教学以及组织学生参与社会实践活动的能力。为了适应当前教学发展，音乐教师要多学习、多培训、多交流，不断提升自身的综合素养。只有不断加强师资队伍建设，提高高职院校音乐教学师资的能力，才能为音乐教育的发展打下坚实的基础。
目前各高职院校在音乐教育方面还存在很多问题，这也说明了大力发展高职院校音乐教育并不是朝夕之事，需要通过实践不断进行摸索。我们要根据高职院校音乐教育实际情况出发，不断革新思想观念，做好音乐教育定位，创新教学模式，不断加强师资队伍建设，积极推动课程体系建设，使其能适应音乐教育的基本要求，进而推动高职院校音乐教育不断向前发展。
参考文献：
［1］郭声建.当代音乐教育改革与发展的若干特征［J］.人民音乐，2003，441（1）.
［2］刘轶中.高等职业教育音乐专业的现状与对策研究［D］.湖南师范大学，2006，（5）.
［3］孔繁洲.音乐素质教育手册［C］.北京：北京中国文联出版社，1998.
